Quanto è mutevole il concetto di bellezza? Per dare una risposta il più possibile compiuta e organica, Rick Owens, per l’autunno-inverno 2019-2020, mescola una serie di riferimenti a partire dal tributo, già visto in occasione del menswear lo scorso gennaio, a Larry LeGaspi, il costume designer americano che ha creato i look iconici per le LaBelle e i Kiss o per Grace Jones e Divine, prematuramente scomparso di AIDS, sul quale, grazie agli archivi e ai ricordi della vedova, Valerie, ha lavorato per un libro, edito da Rizzoli, in uscita il prossimo ottobre, lo stesso periodo in cui le proposte arriveranno nei negozi. E, giocando con l’ambiguità sessuale, riporta in passerella cappotti sartoriali e montoni rovesciati con spalle costruite e tasche in pelle applicate che sembrano degli zaini da abbinare a top audaci che ricordano quelli indossati dai Kiss (il motivo della tuta del chitarrista, Ace Frehley, diventa, tra l’altro, un charm sulle borse), pantaloni in pelle da motociclista e vertiginosi stivaletti con platform. Un desiderio di liberazione che si traduce anche sui volti ispirati a Salvia, la drag queen che, dopo aver scoperto Ru Paul’s Drag Race, ha deciso di distorcere il suo aspetto e la percezione di genere. Ma non è tutto: per il womenswear, inoltre, cita anche Charles James, il couturier inglese, noto per le sue creazioni scultoree, che sarà oggetto di un altro libro di cui Owens, questa volta, ha scritto l’introduzione e Mariano Fortuny, l’artista spagnolo trapiantato a Venezia, ideatore della plissettatura, di cui riprende alcune stampe per gli abiti asimmetrici scomposti dai drappeggi. Una collezione di grande impatto visivo che contribuisce a delineare un’estetica che, nella sua riconoscibilità, diventa sempre più autorevole. Anche concettualmente. Se, come ha dimostrato, mondi diversi possono convivere e comunicare tra loro, influenzandosi e valorizzandosi reciprocamente, in un mondo fluido, l’aumento esponenziale di alternative nella costruzione di una nuova identità potrà, finalmente, consentire a tutti di poter scegliere chi voler essere. Senza alcuna timidezza.

È tornata l’eleganza sulle passerelle? Sembrerebbe di sì e, una volta di più, per l’autunno-inverno 2019-2020 di Rochas. In un periodo in cui l’identità di un marchio è diventata fondamentale, essendo quella che fa davvero la differenza in un mercato saturo di proposte, talvolta, senza senso, Alessandro Dell’Acqua riporta il womenswear della maison parigina fondata nel 1925 da Marcel Rochas alle sue origini. Archiviata la parola tendenza, adesso, torna l’esigenza di proposte senza tempo da personalizzare per riscoprire il gusto di vestirsi e di sentirsi belle e sensuali. Lo stilista napoletano, allora, pensa a cappotti di piume che sembrano di marabù e, invece, sono di viscosa da indossare con maglioni di mohair, camicie di seta e guanti di nappa, tailleur in lana bouclé profilati con frange di resina, come se fossero gioielli in jais, che definiscono gli spacchi delle gonne e ricoprono le scarpe basse coordinate con il cinturino color nude, giacche di eco pelliccia dalle spalle piccole su bluse romanticamente drappeggiate, polo di latex boxy su gonne dalla vita alta e cuissard di pelle. Un’eleganza austera interrotta da un’unica stampa anni ’50 a piccoli fiori, su camicie e gonne a palloncino, che spezzano la monocromaticità dei capi, ma anche dai cappelli architettonici in vinile firmati da Stephen Jones. Sul finale, abiti in duchesse di seta, allacciati da fiocchi dietro al collo, dalle ampiezze importanti, che ricordano da vicino quelli delle ultime sfilate di Valentino. Pezzi di grande raffinatezza che coerentemente non si allontanano, però, dal binomio della griffe caratterizzato dall’utilizzo di materiali haute couture da coniugare su forme essenziali che giocano principalmente sui volumi. Un’immagine decisamente separata rispetto al mondo di N°21, l’etichetta di successo di Dell’Acqua in passerella a Milano, che accosta tradizione a sperimentazione. Perchè l’eleganza borghese, nel mondo contemporaneo, ha ancora un significato solo se riesce a essere associata al desiderio di divertirsi con la propria femminilità, comune, più o meno segretamente, a tutte le donne. Un dettaglio che fa ancora la differenza.

Luci od ombre? Probabilmente, entrambe caratterizzano l’autunno-inverno 2019-2020 poeticamente malinconico, ma profondamente intimista di Dries Van Noten. “Rose is a rose is a rose is a rose”, il verso più famoso dell’opera letteraria Sacred Emily di Gertrude Stein, è il punto di partenza della collezione del marchio controllato dal gruppo Puig, in scena al Palais de Tokyo, tutta incentrata sul fiore che perde la connotazione scontata legata al romanticismo e acquista quella più contemporanea associata all’imperfezione. E sono quelli del giardino privato dello stilista belga ad Anversa, fotografati lo scorso autunno e riportati delicatamente adesso sul tessuto. Così, dal grigio gessato dei trench e dei completi sartoriali maschili, accompagnati da stole trapuntate e scarpe con platform e tacco alto coordinate, si passa a cappotti, tailleur e abiti di satin sui quali vengono riprodotti petali e corolle di 50 differenti varietà di rose, dalie e giacinti accostati, a contrasto, a eco pellicce dagli accesi colori fiammati che s’ispirano alla kniphofia (pianta tropicale, originaria dell’Africa centro-orientale e meridionale, della famiglia delle Liliacee, sorprendente per la sua adattabilità a essere coltivata in giardino), sensualmente scivolate sulle spalle e, allo stesso tempo, sofisticatamente tenute vicino al corpo, che si ritrovano anche nei colli, nelle maniche o nelle borse. Al daywear, questa volta, viene affiancato un eveningwear fatto paillette che rendono vertiginosamente tridimensionali le fantasie floreali di cui si riempiono capispalla, giacche, pantaloni, gonne e, perfino, le spalline dei lunghi abiti asimmetrici, velati, talvolta, da tuniche stampate. Per l’ultima uscita, uno smoking nero che ripropone, senza soluzione di continuità, per la sera la stessa silhouette da giorno della prima. Un’ottima prova del couturier che, attraverso l’eccellente qualità sartoriale del suo lavoro curato, come sempre, nel dettaglio, riflette sull’identità filtrata dal mutamento temporale restituendo un immaginario fortemente sensoriale dal potere quasi sinestesico. Non è necessario sorprendere, ma rinnovarsi espandendo il proprio vocabolario. Perché l’eleganza, finalmente riscoperta sulle passerelle, va preservata. Come un fiore!

Cos’è un direttore creativo? Una figura che sta subendo una mutazione più profonda di quanto non siano, ormai, i cambiamenti della moda. Tra i sei stilisti che, nella loro individualità, hanno disegnato per Christian Dior, Maria Grazia Chiuri, l’unica donna finora, ha sempre affermato di essere, sostanzialmente, una curatrice degli archivi con il compito d’interpretare e trasporre i codici storici secondo un’estetica contemporanea. Per l’autunno-inverno 2019-2020, ritorna agli anni ’50 e, più precisamente, alla sottocultura inglese dei fermenti giovanili nel decennio che ha seguito la Seconda Guerra Mondiale. Una coincidenza che, al momento, sia in corso la mostra “Christian Dior: Designer of dreams”, fino al 14 luglio 2019, all’interno della Sainsbury Gallery del Victoria&Albert Museum di Londra, con il supporto di Swarovski, dov’è presente una sezione dedicata al legame che il couturier ha avuto con il Regno Unito? La designer italiana, però, sceglie moderne Teddy Girl per raccontare il suo approccio alla femminilità che, nell’insistente rivendicazione femministica delle proprie istanze, talvolta, potrebbe risultare artificiosamente corporativistico o pregiudiziale se accompagnato da un già visto rimaneggiamento dello sportswear e delle linee da principessa. A rappresentarle è l’artista concettuale Tomaso Binga, pseudonimo di Bianca Pucciarelli Menna che, negli anni ’70, ha assunto un nome maschile per protestare contro un sistema di privilegi riservato solo agli uomini: a lei, a cui sarà dedicata la mostra “The Unexpected Subject” dal 4 aprile ai Frigoriferi Milanesi, sponsorizzata dalla griffe francese, è stato chiesto di realizzare, con il suo alfabeto, la location della sfilata fuori dal Musée Rodin. Ma non è tutto: parla di fratellanza come condivisione d’intenti attraverso la stampa sulle t-shirt dei titoli dei libri della poetessa femminista americana Robin Morgan (Sisterhood is global, Sisterhood is Forever e Sisterhood is Powerful) da abbinare a giacche spalmate che ricordano quelle in pelle nera create da Yves Saint Laurent per Dior, la versione femminile del giubbotto dei Teddy Boy, completi dalle forme edoardiane che sembrano il tailleur Bar sopra camicie con il fiocco e gonne a pieghe strette in vita da cinture alte in cuoio come piccoli corsetti, tute matelassé, plaid check sfrangiati che diventano cappotti, abiti in toile de jouy, anche di jeans, costellati di palme. Giovani donne libere che urlano la propria necessità di liberarsi dagli stereotipi. Ma è ancora necessario? Apparentemente sì!

Cosa sarebbe un marchio senza la propria identità? Donatella Versace, continuando il percorso intrapreso con la pre-fall 2019, andata in scena lo scorso dicembre a New York (iniziato, in realtà, con la Tribute Collection), ripropone per l’autunno-inverno 2019-2020 di Versace tutti i simboli legati alla storia della maison fondata dal fratello Gianni nel 1978, alcuni dei quali arricchiscono già, in versione macro, la location. La stampa neoclassica è presente sulle fodere trapuntate dei caban, sulle maniche delle giacche o sulle sottovesti bordate di pizzo, utilizzato anche intarsiato con il coccodrillo dei giubbotti e delle minigonne o per le autoreggenti, la spilla da balia con l’iconica Medusa drappeggia i maglioni in cashmere sfrangiati, le cinghie e le fibbie sollevano le gonne o definiscono i reggiseni sadomaso che ingabbiano i dolcevita, la pelle aggressiva dei completi si alterna all’eleganza del tweed, le catene di greche percorrono le pellicce ecologiche multicolor o diventano collane. Ma non è tutto: sulle t-shirt, grazie al supporto della Richard Avedon Foundation, ritorna il ritratto di Donatella, scattato da Richard Avedon nel 1995 per la campagna del profumo Versace Blonde, il cui flacone si ritrova sui bracciali, sugli orecchini o sulle borse come charm nonché nelle grafiche di camicie e foulard coordinati mentre gli abiti recano la V barocca che proviene dalla statua Vittoria della National Gallery di Londra o s’incrostano di pavé di cristalli che prendono la forma di fiocchi sulle scarpe. Un ritorno agli anni ’90, sottolineato anche dalla presenza di Stephanie Seymour a chiudere la sfilata, che fa propria la visione grunge secondo la quale un’imperfezione apparente diventa la nuova perfezione. La più adatta per veicolare ed esaltare l’immagine della griffe, ora di proprietà dell’americana Capri Holdings Limited. Fatta di ricordi del passato, ma destinata ad attrarre inesorabilmente e irresistibilmente i consumatori del futuro. L’obiettivo comune a tutte le realtà del lusso.