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Cos’è la haute couture? L’identità dell’emozione o l’eternità del sogno? O, magari, l’ossessione del desiderio? Pierpaolo Piccioli con la primavera-estate 2018 di Valentino si dedica a cercare delle risposte partendo da lontano: esattamente da Lady Duff-Gordon, la stilista inglese fondatrice di Lucile che, dopo essere scampata al naufragio del Titanic, approdò in America diventando costumista teatrale e cinematografica a Hollywood. A lei si deve la definizione di “Gowns of Emotions” per gli abiti da sera. Suggestioni che si riallacciano a quelle evocate da immagini dotate di un incredibile potere narrativo: gli occhi di chi guarda diventano importanti come il corpo di chi indossa o le mani di chi crea. Così, i nomi delle proposte non sono più di fantasia, ma quelli dell’artigiano che, con passione ed esperienza, le ha realizzate (nell’atelier di piazza Mignanelli, a Roma, lavorano 77 persone di cui 10 uomini). In un tributo alla storia, il repertorio degli archetipi couture prende forma secondo un accostamento, apparentemente casuale, di pezzi che, però, genera un armonico contrasto. A partire già dal primo look, Oriana, dove una cappa giallo ocra di taffetas orlata con una ruche si sovrappone a una canotta bianca in crêpe de Chine e a pantaloni marroni in lana, tutto accessoriato da un cappello acquamarina di piume di struzzo sfilacciato di Philip Treacy, le stesse dei sandali dal tacco a virgola che saranno venduti in speciali confezioni di plexiglass trasparente. Capolavori d’ingegneria sartoriale, leggeri, spontanei e imperfetti che non lasciano da parte l’iconico rosso Valentino esemplificato in Floriana, con 275 merletti che vanno a formare le volute di organza. Se, in modo sempre più ostinato, ci s’interroga sull’essenza culturale e sociale della haute couture e sul suo futuro, lo stilista romano sottolinea ancora una volta la necessità di ricercarli nelle sue origini, nelle sue regole che, quando sono ben conosciute, possono anche essere stravolte: si pensi a Yves Saint Laurent o Balenciaga, evidentemente richiamati in questa collezione. Solo attraverso una trasfigurazione atemporale della bellezza, imperativo del fondatore, Valentino Garavani, presente al Hôtel Salomon de Rothschild, queste sfilate potranno acquisire un nuovo significato, più profondo e moderno: un lusso più umano, quello della conoscenza.

Foto/photos: Marcus Tondo / Indigital.tv

 

La moda è illusione? Sembrerebbe se John Galliano, per la sfilata Artisanal primavera-estate 2018 di Maison Margiela, suggerisce di fotografare con il flash della fotocamera dello smartphone le proposte trasformiste in passerella nella sede parigina della maison allestita con quattro opere dell’artista statunitense Jessi Reaves. Non ci sono più confini negli object trouvé di Margiel-esca memoria: anche lo sportswear entra nella couture delineando quel “relaxed glamour” come spiegano le note dello stilista di Gibilterra, secondo le quali il dress code moderno annulla la separazione tra l’abito da giorno e da sera: i trench plastificati sembrano sottovuoto come i corpetti e le cuffie, i parka si ricoprono di bagliori metallici e vengono chiusi da catenelle, le tute da sci sono decostruite fino a diventare abiti olografici come i piercing sulle labbra, la maglieria è artificiale, il plexi diventa decoro delle sottovesti e le sneakers si fanno giganti. Una realtà parallela in cui le stratificazioni dei capi e la loro virtualità riflettono la complessità del presente che unisce tutto e il suo contrario nonché la dicotomia più che mai attuale per cui nulla è quello che appare. Ma quello che si vede su Instagram: una rappresentazione della vita quotidiana che, essendo costantemente modificata attraverso filtri, non deve restituire fedelmente ciò che l’occhio umano vede, ma essere al suo servizio. Momenti tanto congelati quanto irreali di qualcosa che, in una civiltà stordita dalla velocità, non esiste più, ammesso che sia stato veramente autentico. Se ogni creazione ne nasconde un’altra, il focus si sposta dall’oggetto alla sua percezione facendo dell’osservatore il reale protagonista. Una riflessione sulla società, ma anche un ulteriore passo avanti nello sviluppo tecnologico del marchio del gruppo Otb-Only the brave di Renzo Rosso. E poiché, come già accaduto, la sperimentazione della haute couture è anche un laboratorio in grado di fornire spunti da elaborare successivamente nella produzione del prêt-à-porter, il prossimo obiettivo da raggiungere sarà quello della Instasensibilità? Probabile! La trasformazione inaspettata diventerà la nuova illusione dell’unicità.

Foto/photos: courtesy Maison Margiela

 

“Le cose migliori della vita sono gratis. Le seconde migliori sono davvero costose”, diceva provocatoriamente Coco Chanel. Un po’ come stare seduti in un giardino (ideale) e veder scorrere davanti agli occhi le proposte haute couture per la primavera-estate 2018? Probabilmente, la stilista non pensava a questo! Sempre ammettendo, tra l’altro, di avere un’occasione diversa da quella della sfilata per ammirarle in un qualunque giorno soleggiato di primavera mentre, per esempio, si sta leggendo distrattamente un libro, circondati da gazebo e fontane che somiglino approssimativamente alla ricostruzione (meno grandiosa del solito!) presente all’interno della consueta cornice del Grand Palais. Tornano i fiori, già visti per la primavera-estate 2015, che, arrivano a contaminare il tweed dei classici tailleur, diventati ampi e rotondi come corolle, da indossare con gli stivaletti coordinati con il tacco in plexiglass (quando non sono in pelle o in vernice nera), a dipingere le gonne con pennellate di colore o ad arricchire, insieme alle piume, gli abiti da sera con preziosi ricami di cristalli, sotto veli di tulle, abbinati ai guanti che si mimetizzano nelle tasche a scomparsa. Grazie al principio di sottrazione caro a Mademoiselle, però, diventano lineari e sofisticati. Non mancano i cappelli, accessorio iconico della maison di rue Cambon, semplificati in un fiore e una veletta che riporta a tempi in cui, a differenza di quelli attuali, la seduzione non era altro che un malizioso gioco d’astuzia. E se Karl Lagerfeld (con la barba!) afferma di non essere un uomo di marketing, non sarà sfuggita a nessuno la versatilità di una collezione che, con la sua straordinaria varietà di volumi e proporzioni, riuscirà, a differenza di molte altre, a raggiungere il numero più alto possibile di donne che possano permettersela. In un mercato che sta inesorabilmente cambiando, sempre più ricco di numeri e povero di sogni, l’obiettivo di creare un codice di riconoscimento diventa sempre più importante: se la moda ha bisogno di riappropriarsi della propria dimensione evocativa, in questo caso, non sarà così difficile, conoscendo sufficientemente bene la capitale francese, credere di trovarsi, per magia, in uno dei suoi giardini. Del resto, cosa c’è di più parigino di Chanel?

Foto/photos: Yannis Vlamos / Indigital.tv

 

La moda fa ancora sognare? Viene da chiederselo aspettando la haute couture primavera-estate 2018 di Christian Dior, che sfila, come sempre, al Musée Rodin, in questo caso, su un pavimento a scacchi. Del resto, si sogna in bianco e nero? Maria Grazia Chiuri s’ispira a Leonor Fini, una pittrice surrealista (anche se non si unì mai ufficialmente al movimento) che aveva conosciuto monsieur Dior quando, vent’anni prima di diventare stilista, aveva aperto, insieme al suo amico Jacques Bonjean, una galleria d’arte in rue La Boétie, nell’8° arrondissement di Parigi. Con il couturier, che la presentò anche a Elsa Schiaparelli per cui nel 1938 avrebbe disegnato il flacone a forma di busto del profumo Shocking sulle misure di Mae West, condivideva la passione per i balli in maschera che ritornano ancora una volta in passerella: gli abiti gabbia, attraverso abili illusioni ottiche come quelle dell’inconscio, evidenziano, di volta in volta, parti del corpo diverse, rappresentate sulla scena sotto forma di frammenti scultorei. L’alternanza tra svelato e velato parte dalla costruzione d’atelier dei capi e arriva a coinvolgere la personalità attraverso le maschere-cappello di Stephen Jones che richiamano un pensiero dell’artista argentina secondo la quale “non c’è niente di più falso che essere naturali”. D’altra parte, per essere se stessi, non è necessario non mostrarsi troppo? Peccato, però, che la designer italiana, in un periodo così controverso della moda internazionale (emblematica è la nomina di Hedi Slimane a direttore creativo di Céline, l’etichetta francese di proprietà di LVMH che lancerà presto una nuova linea couture) continui a nascondersi dietro l’(ingombrante) archivio della maison di avenue Montaigne dandone, spesso, letture troppo letterali (degno di nota, almeno, il tentativo di non riprendere l’eredità stilistica, ma il periodo della formazione, quello, cioè, che dovrebbe spiegare la genialità di Dior). La moda, al pari dei sogni, attualmente soffre della mancanza di una proiezione temporale, concentrata com’è su un presente il più delle volte insoddisfacente. Nonostante gli inviti di André Breton. Sarà, forse, come suggerisce qualcuno che per proporre qualcosa di veramente creativo sia necessario distruggere il passato? L’unico vero insegnamento che bisognerebbe trarre dalla storia di Christian Dior.

Foto/photos: Kim Weston Arnold / Indigital.tv

 

“Una donna è più vicina a essere nuda quando è ben vestita”, diceva Mademoiselle. E quando è troppo vestita? Se i detrattori della sfilata di ieri di Christian Dior, disegnata da Maria Grazia Chiuri, puntavano sul fatto che la haute couture stia diventando troppo commerciale (direzione opposta a quella di Giambattista Valli che ha da poco concluso un accordo con Artémis, la holding della famiglia Pinault), il messaggio è stato confermato questa mattina da Karl Lagerfeld nella collezione autunno-inverno 2017-2018 di Chanel. A differenza della stilista italiana, però, che, ricalcando l’affermazione tanto amata da monsieur Dior, “La moda si deve adattare alle donne e non le donne alla moda”, propone abiti per diverse figure femminili, Lagerfeld sembra voler sottolineare la supremazia dell’eleganza parigina. La città è ovunque, nella Tour Eiffel ricreata all’interno del Grand Palais, ma anche nell’ispirazione che accompagna i rigorosi tailleur da giorno in tweed dalle spalle arrotondate e dalle gonne sfrangiate. Nessuna concessione se non qualche piccola scollatura o richiamo floreale. Anche per la sera, escludendo le paillette, gli abiti sono neri o bianchi in duchesse di seta sapientemente drappeggiata. Immancabili i cappelli coordinati. A suggellare lo show, il sindaco della capitale francese, Anne Hidalgo, ha consegnato nelle mani del couturier la medaglia di Grand Vermeil: “Parigi vi ama!”. Un’onorificenza alla carriera significherà qualcosa, come molti hanno pensato? Poco importa! Di queste passerelle si ricorderà che il lusso riscopre il dettaglio d’atelier e ritorna a seguire il Coco pensiero: sottrazione severa e preziosa.

Foto/photos: Yannis Vlamos / Indigital.tv

 

Quando una donna indossa haute couture? Le donne che monsieur Dior amava, capiva e vestiva prediligevano il daywear, da tempo trascurato da chi non ha come obiettivo principale la vendita. Da 600 schizzi arrivava a presentare 250 abiti a sfilata, che nel tempo hanno contribuito a delineare la storia della maison francese che, adesso, per il 70° anniversario, rivive a Les Arts Décoratifs nella mostra “Christian Dior. Couturier du rêve”: dal 1947 a oggi, passando per i sei direttori creativi che si sono avvicendati alla guida della casa di moda: Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons e, oggi, Maria Grazia Chiuri. Però tutto questo è solo un punto di partenza. Cosa rende ancora grande la griffe? La poliedricità è la sua forza, che si traduce in un inesauribile potenziale di modernità, nonostante, come sostiene la stilista italiana, si debba rifuggire lo stereotipo (o la replica!). Dior non è solo New Look, fiori e tailleur Bar, comunque immancabili, come suggerito da Isabelle Rabineau nel suo libro “Le molte vite di Christian Dior”. Tante vite quante sono le diverse esigenze delle donne nel mondo.
Invece, per la sua seconda collezione per l’autunno-inverno 2017-2018, che trasloca dal giardino del Musée Rodin a quello del Hôtel des Invalides, allestito per l’occasione dall’artista Pietro Ruffo, Maria Grazia Chiuri si rifà a una pubblicazione del 1953, commissionata dal fondatore per raccontare l’azienda alle filiali. Ciò che davvero Dior dev’essere. Maschile e femminile si fondono nei cappotti di lane inglesi, negli chemisier drappeggiati, nelle gonne a doppia piega per renderle tridimensionali, senza poi dimenticare gli abiti da sera in tulle, trasparenti ma non troppo, grazie a un abile gioco di sovrapposizioni, o ricamati con mappe di viaggio, come i viaggi che la direttrice creativa fa nell’archivio o quelli che diventano emozioni. Tutto è rigorosamente stretto in vita da una piccola cintura di coccodrillo o, in un caso, da una fascia dell’amato animalier. Perché se il passato è una successione di date, il futuro non è altro che la scomposizione dell’esperienza. Per poter sempre ricominciare.

Foto/photos: Yannis Vlamos / Indigital.tv

 

Foto/photos: courtesy Sabrina Persechino

 

Foto/photos: Marcus Tondo / Indigital.tv

 

Foto/photos: Alessandro Garofalo / Indigital.tv

 

Il tempo si annulla nel sogno. Non c’è passato, presente o futuro, esiste solo un momento congelato nell’immortalità. Come nel mito, che sopravvive alle epoche. O nei rituali anacronistici degli atelier, per esempio, quello di ricoprire ogni sera gli abiti con una carta velina o spillare sui tavoli i cartamodelli. Al suo debutto in solitario nella haute couture di Valentino, Pierpaolo Piccioli pensa a una bellezza olimpica che non deva essere corrotta dal tempo e, quindi, cosa c’è di meglio di lasciarsi ispirare dai miti classici? Un ideale estetico di femminilità che, mai prima d’ora, riconduce al lavoro del fondatore di cui traduce fedelmente la vocazione. All’interno del Hôtel Salomon de Rothschild, reso talmente minimalista da sembrare una wunderkammer moderna, si susseguono abiti plissettati che ricordano le colonne dell’antica Grecia, tuniche dalle linee verticali talmente scultoree che sembrano resistere alla gravità, cappe dalle forme elementari come se fossero state scalpellate nel tessuto, talvolta in modi diversi sullo stesso capo, decori leggeri di strass o micro paillette ton sur ton, di canutiglie o cannule di vetro iridescente che donano una naturalezza formale almeno apparente, ma dietro ai quali si nasconde la sorprendente abilità di petites mains di rendere semplice ciò che è complicato o di realizzare con un gesto ciò che sfugge ai limiti della creatività. Una purezza che domina anche la palette cromatica e la rende armonica nelle sue tinte tenui e delicate, abbinate come le 15 tonalità di giallo esplorate nelle trecce di chiffon intrecciato o interrotte da alcune pennellate decise di colore, rosso e fucsia metallizzato. In un’epoca così ossessionata dalla velocità come quella contemporanea, in cui tutto invecchia in un batter di ciglia, il messaggio arriva chiaro: uscire dal tempo per avere ancora la possibilità di sognare. Anche fosse per pochi minuti, anche si ammirasse solo un capolavoro da lontano. Nella vita, la tragedia peggiore sarebbe quella di precludersi la possibilità di emozionarsi.

Foto/photos: Yannis Vlamos / Indigital.tv