Dalla sintesi di elementi conflittuali, o apparentemente tali, può nascere il nuovo? Junya Watanabe ne ha fatto quasi una filosofia. Per l’autunno-inverno 2019-2020, in scena all’interno della Salle Wagram, decide di far sfilare le modelle in coppia unendo due mondi che possono sembrare inconciliabili: quello del manga orientale (da cui il titolo Kawaii) e quello del grunge occidentale. E se il primo si mostra in tutta la sua evidenza nei capelli scultura e nelle lunghe ciglia finte che ricordano i fumetti, il secondo si concretizza nei capi che, attraverso costruzioni e decostruzioni, diventano ibridi di camicioni a fiori o a pois nati dal riassemblaggio di abiti diversi, trench, giubbini, parka, perfecto e bomber che si aprono nelle maniche o ne vengono addirittura privati, giacche sartoriali e maglioni formati da due metà spaiate e felpe dell’università Ucla, già viste nella sfilata uomo, che vengono tagliate verticalmente per diventare cardigan. A unificare, poi, l’insieme, contribuiscono jeans aderenti e scoloriti, più o meno strappati, da abbinare a stivali texani che si accendono di bagliori metallici o si ricoprono di borchie appuntite. Degno di nota come, questa volta, il womenswear risulti più allineato del solito allo spirito utility del menswear. Maschile e femminile, infine, celebrano la gender fluidity, così tipica del brand di Comme des Garçons, ormai, sdoganata da tempo, a modo suo, anche da John Galliano nel suo lavoro per Maison Margiela. Una collezione in cui i capi non si limitano semplicemente a essere accostati secondo una scelta che, a prima vista, potrebbe sembrare arbitraria, ma, a un livello più profondo, si combinano e si contaminano, al di là delle loro differenze stilistiche, estetiche e funzionali, per suggerire soluzioni alternative. Anche questo fa parte della missione della moda? Sicuramente! Ma, del resto, nessuna sfilata del 58enne stilista giapponese potrebbe non essere accompagnata da un messaggio. Da decodificare o da diluire a seconda della personalità individuale.

Qual è il valore aggiunto di un marchio storico? Possedere un’identità precisa, definita e forte, ma, soprattutto, tale da poter essere aggiornata, attraverso la creatività dello stilista che se ne occupa, senza essere snaturata. Nel progetto, naturalmente il più a lungo termine possibile, un parametro non trascurabile, oggi, è anche quello di risultare commercialmente interessante. E per Celine? Se, finora, la visione non era perfettamente chiara, con la terza prova di Hedi Slimane, per l’autunno-inverno 2019-2020, lo è leggermente di più: un ritorno agli anni ’70, quelli in cui fu lanciato il prêt-à-porter della griffe fondata nel 1945 da Céline Vipiana e da suo marito Richard, dapprima, come laboratorio di calzature su misura per bambini e, in seguito, di scarpe da donna e accessori. Ancora ben lontano dall’essere acquisita da LVMH nel 1997. Riguardando le foto di quel periodo, si ritrova ciò che Hedi Slimane riporta in passerella, in una struttura creata a place Vauban, dietro Les Invalides, per delineare la cifra stilistica della sua nuova (vecchia) Celine. Si susseguono, quindi, cappotti di montone anche smanicati, giubbotti scamosciati, giacche maschili, cardigan paillettati, camicie a righe o a pois con il fiocco, gonne-pantaloni sotto al ginocchio, gonne check a pieghe, abiti dalla stampa animalier con cappa coordinata e jeans aderenti da inserire nei cuissard foderati anch’essi di montone. Gettonatissimi, tra gli accessori, saranno le cinture in alligatore con il morsetto, gli occhiali aviator e i foulard che riesumano il logo da annodare al collo. Poco rimane dell’estetica di Phoebe Philo (se non qualche reminiscenza di quando era al timone di Chloé), la cui clientela core, secondo indiscrezioni, sarebbe passata da Loewe (o, magari, sceglierà il nuovo corso di Bottega Veneta di Daniel Lee). Per il resto, se la democratizzazione della moda ha fatto proprio il messaggio che tutto potesse (o dovesse) stare bene a tutti, questa collezione diventerà, sicuramente, l’emblema di quello che le donne vogliono indossare in una quotidianità che ha eliminato ogni barriera tra giorno e sera. Il minimalismo francese, concreto nella sua nonchalance borghese, rinasce nella sua eleganza nostalgica andando controcorrente. Quello di ridisegnare un guardaroba in grado di parlare alla perfezione di chi lo indossa.

La ribellione ha ancora senso? Non intesa con una connotazione femminista le cui istanze vengono riportate, a ogni collezione, su costosissime magliette da Maria Grazia Chiuri per Christian Dior, ma per difendersi da una società diventata violenta, anche ideologicamente, soprattutto, per le donne che, da parte loro, risultano ancora profondamente vulnerabili. E se le passerelle, da Milano a Parigi, continuano a proporre un dualismo che spazia tra il romanticismo e la paura, Olivier Rousteing, attento osservatore della propria generazione, immagina un guardaroba fatto di corazze per affrontare le tante battaglie dell’esistenza attuale. Come non tornare, allora, a ispirarsi agli anni ’80, quelli che si vestivano di (auto)determinazione con il power dressing, fondamentale nella rappresentazione del desiderio di libertà, della spettacolarizzazione della femminilità e dell’emancipazione sociale? Per l’autunno-inverno 2019-2020 di Balmain, il designer 33enne pensa, dunque, a tailleur bouclé dalle spalle strutturate, orlati di piume o di rose in vinile, perfecto di pelle matelassé, che si aprono strategicamente sulle spalle come se fossero armature, insieme a gonne a trapezio coordinate, camicie trasparenti, completi di jeans, scoloriti, strappati o rinforzati, cappe formate da strisce di tessuto pied-de-poule rivisitato in una forma romboidale e maglioni a trecce che diventano abiti. I capi, inoltre, si ricoprono, spesso, di pvc invisibile come per proteggersi ulteriormente dal mondo esterno. Per la sera, architetture di vinile o di paillette, smoking see-through e tute spalmate di lurex s’indossano su camicie e t-shirt basic che rendono pericolosa anche la sensualità. Catene e borchie respingenti sono disseminate un po’ ovunque, sui sandali e sulla tomaia di cuissard a punta in morbida vernice, sulle cinture metalliche e sulle borse logate a bauletto di tutte le taglie. Bianco e nero, bene e male: nell’anarchia di un presente fortemente alleggerito dalla perdita degl’ideali, riuscire, nella contrapposizione, a far sentire la propria voce è ancora una conquista. Nel caso sia possibile, al di là delle etichette, farlo attraverso l’abbigliamento, tanto meglio.

Quanto è mutevole il concetto di bellezza? Per dare una risposta il più possibile compiuta e organica, Rick Owens, per l’autunno-inverno 2019-2020, mescola una serie di riferimenti a partire dal tributo, già visto in occasione del menswear lo scorso gennaio, a Larry LeGaspi, il costume designer americano che ha creato i look iconici per le LaBelle e i Kiss o per Grace Jones e Divine, prematuramente scomparso di AIDS, sul quale, grazie agli archivi e ai ricordi della vedova, Valerie, ha lavorato per un libro, edito da Rizzoli, in uscita il prossimo ottobre, lo stesso periodo in cui le proposte arriveranno nei negozi. E, giocando con l’ambiguità sessuale, riporta in passerella cappotti sartoriali e montoni rovesciati con spalle costruite e tasche in pelle applicate che sembrano degli zaini da abbinare a top audaci che ricordano quelli indossati dai Kiss (il motivo della tuta del chitarrista, Ace Frehley, diventa, tra l’altro, un charm sulle borse), pantaloni in pelle da motociclista e vertiginosi stivaletti con platform. Un desiderio di liberazione che si traduce anche sui volti ispirati a Salvia, la drag queen che, dopo aver scoperto Ru Paul’s Drag Race, ha deciso di distorcere il suo aspetto e la percezione di genere. Ma non è tutto: per il womenswear, inoltre, cita anche Charles James, il couturier inglese, noto per le sue creazioni scultoree, che sarà oggetto di un altro libro di cui Owens, questa volta, ha scritto l’introduzione e Mariano Fortuny, l’artista spagnolo trapiantato a Venezia, ideatore della plissettatura, di cui riprende alcune stampe per gli abiti asimmetrici scomposti dai drappeggi. Una collezione di grande impatto visivo che contribuisce a delineare un’estetica che, nella sua riconoscibilità, diventa sempre più autorevole. Anche concettualmente. Se, come ha dimostrato, mondi diversi possono convivere e comunicare tra loro, influenzandosi e valorizzandosi reciprocamente, in un mondo fluido, l’aumento esponenziale di alternative nella costruzione di una nuova identità potrà, finalmente, consentire a tutti di poter scegliere chi voler essere. Senza alcuna timidezza.

È tornata l’eleganza sulle passerelle? Sembrerebbe di sì e, una volta di più, per l’autunno-inverno 2019-2020 di Rochas. In un periodo in cui l’identità di un marchio è diventata fondamentale, essendo quella che fa davvero la differenza in un mercato saturo di proposte, talvolta, senza senso, Alessandro Dell’Acqua riporta il womenswear della maison parigina fondata nel 1925 da Marcel Rochas alle sue origini. Archiviata la parola tendenza, adesso, torna l’esigenza di proposte senza tempo da personalizzare per riscoprire il gusto di vestirsi e di sentirsi belle e sensuali. Lo stilista napoletano, allora, pensa a cappotti di piume che sembrano di marabù e, invece, sono di viscosa da indossare con maglioni di mohair, camicie di seta e guanti di nappa, tailleur in lana bouclé profilati con frange di resina, come se fossero gioielli in jais, che definiscono gli spacchi delle gonne e ricoprono le scarpe basse coordinate con il cinturino color nude, giacche di eco pelliccia dalle spalle piccole su bluse romanticamente drappeggiate, polo di latex boxy su gonne dalla vita alta e cuissard di pelle. Un’eleganza austera interrotta da un’unica stampa anni ’50 a piccoli fiori, su camicie e gonne a palloncino, che spezzano la monocromaticità dei capi, ma anche dai cappelli architettonici in vinile firmati da Stephen Jones. Sul finale, abiti in duchesse di seta, allacciati da fiocchi dietro al collo, dalle ampiezze importanti, che ricordano da vicino quelli delle ultime sfilate di Valentino. Pezzi di grande raffinatezza che coerentemente non si allontanano, però, dal binomio della griffe caratterizzato dall’utilizzo di materiali haute couture da coniugare su forme essenziali che giocano principalmente sui volumi. Un’immagine decisamente separata rispetto al mondo di N°21, l’etichetta di successo di Dell’Acqua in passerella a Milano, che accosta tradizione a sperimentazione. Perchè l’eleganza borghese, nel mondo contemporaneo, ha ancora un significato solo se riesce a essere associata al desiderio di divertirsi con la propria femminilità, comune, più o meno segretamente, a tutte le donne. Un dettaglio che fa ancora la differenza.

Luci od ombre? Probabilmente, entrambe caratterizzano l’autunno-inverno 2019-2020 poeticamente malinconico, ma profondamente intimista di Dries Van Noten. “Rose is a rose is a rose is a rose”, il verso più famoso dell’opera letteraria Sacred Emily di Gertrude Stein, è il punto di partenza della collezione del marchio controllato dal gruppo Puig, in scena al Palais de Tokyo, tutta incentrata sul fiore che perde la connotazione scontata legata al romanticismo e acquista quella più contemporanea associata all’imperfezione. E sono quelli del giardino privato dello stilista belga ad Anversa, fotografati lo scorso autunno e riportati delicatamente adesso sul tessuto. Così, dal grigio gessato dei trench e dei completi sartoriali maschili, accompagnati da stole trapuntate e scarpe con platform e tacco alto coordinate, si passa a cappotti, tailleur e abiti di satin sui quali vengono riprodotti petali e corolle di 50 differenti varietà di rose, dalie e giacinti accostati, a contrasto, a eco pellicce dagli accesi colori fiammati che s’ispirano alla kniphofia (pianta tropicale, originaria dell’Africa centro-orientale e meridionale, della famiglia delle Liliacee, sorprendente per la sua adattabilità a essere coltivata in giardino), sensualmente scivolate sulle spalle e, allo stesso tempo, sofisticatamente tenute vicino al corpo, che si ritrovano anche nei colli, nelle maniche o nelle borse. Al daywear, questa volta, viene affiancato un eveningwear fatto paillette che rendono vertiginosamente tridimensionali le fantasie floreali di cui si riempiono capispalla, giacche, pantaloni, gonne e, perfino, le spalline dei lunghi abiti asimmetrici, velati, talvolta, da tuniche stampate. Per l’ultima uscita, uno smoking nero che ripropone, senza soluzione di continuità, per la sera la stessa silhouette da giorno della prima. Un’ottima prova del couturier che, attraverso l’eccellente qualità sartoriale del suo lavoro curato, come sempre, nel dettaglio, riflette sull’identità filtrata dal mutamento temporale restituendo un immaginario fortemente sensoriale dal potere quasi sinestesico. Non è necessario sorprendere, ma rinnovarsi espandendo il proprio vocabolario. Perché l’eleganza, finalmente riscoperta sulle passerelle, va preservata. Come un fiore!

Cos’è un direttore creativo? Una figura che sta subendo una mutazione più profonda di quanto non siano, ormai, i cambiamenti della moda. Tra i sei stilisti che, nella loro individualità, hanno disegnato per Christian Dior, Maria Grazia Chiuri, l’unica donna finora, ha sempre affermato di essere, sostanzialmente, una curatrice degli archivi con il compito d’interpretare e trasporre i codici storici secondo un’estetica contemporanea. Per l’autunno-inverno 2019-2020, ritorna agli anni ’50 e, più precisamente, alla sottocultura inglese dei fermenti giovanili nel decennio che ha seguito la Seconda Guerra Mondiale. Una coincidenza che, al momento, sia in corso la mostra “Christian Dior: Designer of dreams”, fino al 14 luglio 2019, all’interno della Sainsbury Gallery del Victoria&Albert Museum di Londra, con il supporto di Swarovski, dov’è presente una sezione dedicata al legame che il couturier ha avuto con il Regno Unito? La designer italiana, però, sceglie moderne Teddy Girl per raccontare il suo approccio alla femminilità che, nell’insistente rivendicazione femministica delle proprie istanze, talvolta, potrebbe risultare artificiosamente corporativistico o pregiudiziale se accompagnato da un già visto rimaneggiamento dello sportswear e delle linee da principessa. A rappresentarle è l’artista concettuale Tomaso Binga, pseudonimo di Bianca Pucciarelli Menna che, negli anni ’70, ha assunto un nome maschile per protestare contro un sistema di privilegi riservato solo agli uomini: a lei, a cui sarà dedicata la mostra “The Unexpected Subject” dal 4 aprile ai Frigoriferi Milanesi, sponsorizzata dalla griffe francese, è stato chiesto di realizzare, con il suo alfabeto, la location della sfilata fuori dal Musée Rodin. Ma non è tutto: parla di fratellanza come condivisione d’intenti attraverso la stampa sulle t-shirt dei titoli dei libri della poetessa femminista americana Robin Morgan (Sisterhood is global, Sisterhood is Forever e Sisterhood is Powerful) da abbinare a giacche spalmate che ricordano quelle in pelle nera create da Yves Saint Laurent per Dior, la versione femminile del giubbotto dei Teddy Boy, completi dalle forme edoardiane che sembrano il tailleur Bar sopra camicie con il fiocco e gonne a pieghe strette in vita da cinture alte in cuoio come piccoli corsetti, tute matelassé, plaid check sfrangiati che diventano cappotti, abiti in toile de jouy, anche di jeans, costellati di palme. Giovani donne libere che urlano la propria necessità di liberarsi dagli stereotipi. Ma è ancora necessario? Apparentemente sì!